Hoy queremos compartir con vosotros uno de los momentos más importantes en la historia de nuestra banda: el lanzamiento del primer álbum de Guieldu: “Memories de Deva”. Este disco no es solo una colección de temas, es el resultado de años de trabajo muy intenso, dentro y fuera de los estudios.

Para nosotros, “Memories de Deva” simboliza un puente entre el pasado y el presente. Un disco que refleja la memoria colectiva que nos ha formado e inspirado como músicos; un album que pretende simbolizar todo aquello que proyecta la Música Celta y el interceltismo musical, un viaje sonoro que navega por las costas del arco atlántico europeo, partiendo desde nuestra villa, Avilés, en Asturias.

“Memories de Deva” está producido con la intención de ofrecer una experiencia envolvente, podríamos decir incluso cinematográfica, buscando que el oyente haga un viaje junto a nosotros a distintas evocaciones musicales.

La composición de “Memories de Deva” fue un proceso intenso. Pasamos meses construyendo paisajes sonoros, con la colaboración de algunas personas que nos ayudaron a llevar nuestra visión más allá de lo que esperábamos. 

14 temas en los que lo ancestral se encuentra con lo contemporáneo, usando instrumentos acústicos y tradicionales junto a otros eléctricos, sintetizadores y programaciones para añadir capas de profundidad. Colaboradores como Pepín de Muñalén al saxo y Jesús del Castillo con la gaita electrónica o las pandereteras de 6 Riales ayudan a aportar esa energía especial.

La grabación, mezcla y masterizado corrió a cargo de Senén Fernández de los Estudios 15:40 de Gozón. La fabricación se hizo en La Fábrica del Ruíu de Avilés. 

Por tanto podemos decir con gran satisfacción que es una edición realizada de principio a fin, en todos los procesos, sin salir del centro de Asturias.

Más allá de las cifras, las reproducciones o las playlist, lo que realmente deseamos con “Memories de Deva” es que encuentre un lugar en la vida de quienes lo escuchen. Nos gustaría que este disco se convirtiese en una compañía, en un espejo y en una puerta hacia nuevas emociones. Este lanzamiento también representa un paso importante para la banda en términos de visibilidad y reconocimiento. “Memories de Deva” es la mejor carta de presentación de Guieldu.

El álbum ya está disponible en Spotify, Apple Music y el resto de plataformas digitales, y también en formato físico CD para quienes quieran sentirlo de manera más tangible. Cada reproducción, cada reseña y cada recomendación nos ayuda a que este trabajo, concebido con tanta ilusión, llegue a más oyentes alrededor del mundo.

Un disco único pero que apenas es el comienzo. Con “Memories de Deva” abrimos una etapa llena de proyectos, presentaciones y nuevas canciones que iremos compartiendo. Gracias por ser parte de este viaje y por darle sentido a lo que hacemos.

Queremos agradecer a José Ángel Hevia y Bieito Romero, dos referentes muy importantes para nosotros, las impresiones que nos hicieron llegar sobre el disco y que compartimos con todos vosotros en el libreto.

Las ilustraciones de la portada y de las páginas interiores  son obra de la pintora asturiana Solombra. El diseño y la maquetación corrieron a cargo de nuestro bajista Pablo Santamarta.

La portada y contraportada muestran la bocana de la ría de Avilés con el faro de San Juan iluminando un barco que es atacado por el temible “peludín”, con la isla de la Deva al fondo.

El libreto simula un cuaderno de viaje de una persona que en la segunda mitad del siglo XIX recala en Avilés. 

Para elegir título la cosa estuvo complicada en un principio, porque no encontrábamos nada que encajase, por eso solicitamos ayuda a nuestro amigo poeta Vítor Albuerne que acertó ya con su primera propuesta: “Memories de Deva”. Un título evocador de muchas cosas, que se asocia con la costa asturiana y la bocana de la ría de Avilés a través de la isla de la Deva, por otra parte diosa celta, un título que, además, resulta fácilmente entendible y pronunciable en varios idiomas.

• Avilés: Tiza y Peonza (calle La Fruta)
• Uviéu/Oviedo: L’Esperteyu Chigre Folk (calle Martínez Vigil)
• Xixón/Gijón: Café Trisquel Chigre (calle Marqués de San Esteban)
• Cuideiru/Cudillero: Raigaños (calle Riofrio)
• Villaviciosa: La Cueva del Trasgu (calle Balbín Busto)

• Ribadeo: O Recuncho (calle Pasarón y Lastra)
• León/Llión: Taberna Bar Cuervo (calle Sal) y Reload (calle 24 de abril)
• Sevilla: La Taberna del Dragón Verde (calle Avicena)

Spotify, Apple Music, Youtube y otras plataformas: https://orcd.co/memories-de-deva

Formato físico (CD) con envío:

• Musicasturiana.com
• Tiarsonerien.com

1. Óise l’Ixixú
2. L’Aremu
3. El Cantar de la Texedora
4. Laridenn eus Asturiez
5. Ayer Vite na Fonte
6. Angueira (ft. Pepín de Muñalén)
7. Perdayuri (Do Not Stand at My Grave and Weep) (ft. Jesús del Castillo)
8. Irish Fleadh
9. Flor d’Artu (ft. Pepín de Muñalén)
10. Asturies danza na Celtia – Pumba-Dai
11. Rondes (ft. 6 Riales)
12. La Regueira de los Danzantes
13. Ónde vas a por Agua
14. Eireann Set

Y aquí algunas fotos del concierto tomadas por Pablo Semeyes (deslizar para ver):

 Una gran velada de música celta y un concierto para recordar.  Esperamos volver a tocar en la Folixa na Primavera de Mieres en alguna otra ocasión, entre tanto estaremos siempre entre el público, disfrutando.

Tocar en León, en uno de los festivales de música celta más importantes del norte peninsular y hacerlo compartiendo escenario con la orquesta folk gallega Sondeseu y la banda bretona de música irlandesa Green Lads fue una estupenda experiencia para nosotros.

Con un escenario amplio, buen sonido e iluminación y un público ávido de Música Celta, Guieldu ofrecimos un espectáculo inolvidable que dejó huella en todos los componentes del grupo y en el público.

Desde el primer acorde intentamos transportar a los espectadores en un viaje por los sonidos de las naciones celtas creando una atmósfera única y especial que nos gustó mucho. 

Con una complicidad evidente, nos entregamos al máximo en cada canción, contagiando nuestra pasión al público que se entregó a la música desde el primer momento y respondió con entusiasmo a la propuesta de Guieldu.

Aplausos y danzas acompañaron nuestros temas durante todo el concierto. La conexión fue evidente, dejando claro que la música celta sigue teniendo un gran poder de convocatoria.

En definitiva, el concierto de Guieldu en el Festival Celta Reinu de Llión fue una auténtica fiesta que guardamos como un grandísimo recuerdo.

Más información sobre la participación de Guieldu en el Festival Celta Internacional Reinu de Llión:

En este blog ya comentamos cómo la Música Celta se inspira en los preceptos filosóficos y artísticos del Romanticismo que se desarrolló en el siglo XIX como una manifestación de inconformidad ante la industrialización y el carácter materialista del progreso. Estas ideas que ponen la pasión y la emoción por encima de la razón todavía perviven de manera significativa en las letras de las canciones de la Música Celta contemporánea, desde la veneración del mundo natural a la añoranza por lo que se pierde, pasando por la exaltación de lo místico y mágico o lo rural, por supuesto también los sentimientos amorosos y la idealización de épocas remotas.

Así hemos agrupado las temáticas de la siguiente manera:

Uno de los temas prominentes en la Música Celta contemporánea es la naturaleza.  El movimiento romántico del XIX se maravillaba ante la belleza del mundo natural sin subestimar su poder destructivo. Veían la naturaleza con reverencia y temor, como fuente de imaginación y conexión con la eternidad, esencial para la inspiración y la dimensión espiritual que daban a la vida. A diferencia de la visión mecanicista del universo, desde el Romanticismo se adoptó una perspectiva orgánica que reconocía la interrelación de todas las cosas.

Las letras de la Música Celta actual siguen reflejando la profunda conexión con la naturaleza evocando su belleza, pero también un sentido de pertenencia y respeto por la tierra.

Ejemplos:

“Bonny Portmore” es una canción tradicional irlandesa que lamenta la tala de los antiguos robles alrededor del castillo de Portmore en el siglo XVIII. Interpretada por Loreena McKennitt en su álbum de 1991 The Visit, la balada transmite la tristeza por la destrucción del paisaje y reflexiona sobre su fragilidad ante la explotación humana.

“Brittany’s (Ar Bleizi Mor)” del álbum Emerald de Alan Stivell (2009) rinde homenaje a la mar, que Stivell considera un vínculo entre los pueblos celtas. La letra y la música evocan la majestuosidad y el poder del atlántico, así como su importancia cultural y natural dentro del interceltismo.

Las letra de “Caledonia” escrita por Dougie MacLean en 1977 es una reflexión melancólica y nostálgica sobre la belleza del paisaje escocés y la profunda unión del compositor con su tierra natal. Un tema que resalta la idea universal de amor por la patria y la nostalgia por el hogar materno.

“The Elements” es una canción de Alan Simon. Forma parte de su espectáculo “Excalibur: The Celtic Rock Opera” y se publicó en el álbum Excalibur I: The Legend of the Celts (1998). La canción “The Elements” trata sobre los elementos naturales: la tierra, el aire, el agua, el fuego… y cómo interactúan con la vida. 

Las historias de héroes patrióticos y personajes legendarios o de criaturas fantásticas son características constantes en la Música Celta. Las letras incorporan también elementos de la mitología tradicional de las regiones del arco atlántico europeo, como las deidades celtas o las crónicas artúricas.

Esto nos remite nuevamente al Romanticismo del XIX, donde las leyendas y mitos populares se consideraban una expresión del auténtico espíritu y la identidad de los pueblos. Entendían estas narrativas tradicionales como portadoras de la esencia cultural y la historia social del territorio, contribuyendo así a la construcción y consolidación de una identidad diferenciada frente a la influencia de la modernidad y la homogeneización cultural. Una filosofía que sigue en vigor en las letras de la Música Celta.

Ejemplos:

Llobatu (2024) de Héctor Braga describe uno de esos cuentos populares transmitidos durante generaciones alrededor del fuego en los hogares asturianos: un niño muy revoltoso es maldecido por su madre; a causa del embrujo el chiquillo se convierte en lobezno y pasa años deambulando por las montañas hasta que finaliza el hechizo y puede volver sano y salvo a casa.

La canción de Carlos Núñez “El Pozo de Aran” del disco Mayo Longo (2000) narra la historia de una madre que sueña con un pozo sagrado capaz de curar a su hijo enfermo. El pozo en Aran, evocando las Islas Aran de Irlanda, conecta con la tradición celta de buscar curación en la naturaleza y lugares sacros. 

La banda asturiana Llangres canta a Deva, la diosa celta del agua, de las emociones y los sentimientos: “Duerme la diosa del agua, duerme en el río olvidada, diosa de la diosa blanca, diosa con torques de plata, en los dólmenes sagrados…”

Ejemplo de narrativa histórica, “The Haughs Of Cromdale” relata la Batalla que se libró en 1690 en las llanuras de Cromdale, cerca del río Spey en Escocia. Una de las muchas libradas durante los levantamientos jacobitas que buscaban restaurar la Casa de Estuardo en el trono británico.

Las canciones de la Música Celta también exploran temas de identidad cultural y orgullo por el patrimonio de los pueblos de forma directa, sin subterfugios. Letras que ensalzan las tradiciones o reivindican lenguas minoritarias y a veces abordan la lucha por la preservación de estas identidades frente a estados centralistas y un mundo globalizado. Nuevamente conceptos que, en este caso, se acercan a los postulados del nacionalismo romántico.

El Romanticismo decimonónico enaltecía lo diferente frente a lo común y por eso avivó el interés por las lenguas regionales en situación de diglosia. La idea romántica de la libertad individual conectó con el derecho de los pueblos a autogobernarse y a formarse como estados en base a sus características históricas y étnicas dando fuerza a los nacionalismos.

Ejemplos:

“Si deján morir la lengua, si no hacen por mantenerla, el país no tiene futuro”. Así comienza la canción “País Silente” de la banda asturiana Corquiéu que reivindica para el asturianu el reconocimiento oficial como lengua de Asturias, al igual que el catalán, el gallego o el euskera lo son en sus respectivas comunidades autónomas.

Admitiendo que no habla bretón por haber nacido en Nantes, la letra de “La découverte ou l’ignorance” de Tri Yann, destaca que ser bretón es más una cuestión de conciencia y elección personal que del lugar de nacimiento o del idioma materno, y que la identidad bretona depende de que cada generación mantenga viva su herencia cultural.

“La Blanche Hermine” es un tema cuya letra enaltece también la identidad bretona y llama a la resistencia y la unidad frente a sus posibles opresores. A través de una evocadora letra, el tema se ha convertido en himno de la lucha cultural y política de los bretones ante el centralismo francés.

“La Danza” de Dixebra, que aquí podemos escuchar en un concierto en vivo, reacciona a las críticas de ser el asturianu una lengua inventada (crítica recurrente por parte de quienes están en contra de su cooficialidad). “Dicen que yo te invento, lengua por ni nombrada, como se inventa la rosa, rosa nada más en la palabra”.

El amor, tanto romántico como familiar, es un motivo que también aparece de forma recurrente en la Música Celta. Las canciones suelen presentar estas relaciones en el contexto de la vida rural y comunitaria, enfatizando valores como la lealtad y una fuerte conexión emocional. Se valora el amor y el desamor como una experiencia trascendental donde los sentimientos auténticos y profundos son más importantes que las convenciones sociales. Y todo esto, una vez más, viene invariablemente del Romanticismo del XIX.

Ejemplos:

“Ailein Duinn” es un lamento gaélico que cuenta la trágica historia de un marinero perdido en la mar cuando acudía a casarse con su amada, que llora con gran desconsuelo su pérdida. Esta canción escocesa se hizo famosa al incluirse en la banda sonora de la película “Rob Roy”

En “The Old Ways” de Loreena McKennitt, la personificación de la perdida y olvido de las antiguas costumbres es alegorizada a través de un joven del que una chica protagonista esta enamorada, pero ese amor termina siendo imposible, pues unas fuerzas divinas se llevan consigo al chico, que pertenece a otro mundo.

La canción “Tu Gitana” trata sobre el amor y el desamor, un tema universal que Luar na Lubre aborda con sensibilidad. La letra describe una relación apasionada y, al mismo tiempo dolorosa, marcada,  como es de esperar en la Música Celta, por la intensidad de los sentimientos.

“Siúil a Rún” de Celtic Woman trata sobre una joven que está separada de su amado. Su amor ha partido hacia la guerra en Francia y la mujer expresa su dolor y tristeza por esta partida deseando fervientemente que su pareja regrese sano y salvo, dispuesta a hacer grandes sacrificios como vender todas sus joyas o incluso sus tierras para reunirse con él.

La historia de emigración y exilio, especialmente en Irlanda y Escocia, ha dejado una marca profunda en la Música Celta. Las letras abordan las experiencias de aquellos que dejaron su hogar, la nostalgia por la tierra natal y las esperanzas y desafíos de la vida en el extranjero. En este caso la conexión con el Romanticismo viene dada por la valoración de las emociones y la imaginación como herramientas para explorar la realidad done la nostalgia y la añoranza es una emoción en si misma.

Ejemplos:

La canción relata las historias y experiencias de los millones de inmigrantes que llegaron a América a través de la isla de Ellis en el puerto de Nueva York entre finales del siglo XIX y principios del XX.

Aunque es una canción tradicional irlandesa, también ha sido adoptada en el contexto escocés. Narra la experiencia de los marineros que parten de Liverpool hacia América, reflejando indirectamente la emigración desde Escocia.

Interpretada por The Chieftains, la canción reflexiona sobre la experiencia de los irlandeses que emigraron a América en busca de una nueva vida, evocando la nostalgia por su país de origen recordando con cariño y melancolía la belleza y simplicidad de la vida en la isla esmeralda.

“Le pays” cuenta la historia de una persona que, por trabajo, abandonó Bretaña sin tener ningún sentido de pertenencia ni interés por la cultura de su región. Tras un tiempo viviendo fuera, comienza a ser consciente de todo lo que echa de menos y se arrepiente de no haberlo valorado antes.

Como conclusión, la Música Celta actual es un puente entre el pasado y el presente. No solo porque tiene una base importante en la música tradicional de las Naciones Celtas, sino porque sus letras se basan en las sensibilidades surgidas del Romanticismo. Es difícil encontrar una letra que no combine varios de los puntos arriba señalados, canciones que hablan de amor y lo hacen también de la naturaleza o que siendo la emigración el tema principal se destaque la identidad cultural.

Otro aspecto recurrente de las nuevas composiciones es un estilo narrativo en las letras que suele alejarse de  la contemporaneidad y de aspectos tecnológicos para asemejarse a las canciones tradicionales (no se habla de apps ni de móviles, ni de ordenadores, coches, aviones…). Así, los sentimientos, impresiones, reflexiones o escenas se retratan procurando no mencionar coches, teléfonos móviles, apps, computadoras, aviones, centros comerciales o avances científicos por citar ejemplos, de tal forma que las expresiones son atemporales pudiendo encajar en el imaginario de cualquier época pretérita.

Esta clasificación que hacemos, forma parte sustancial del carácter distintivo de la música celta. Junto a la instrumentación, los contenidos de las letras son un aspecto que caracteriza a la Música Celta, independientemente de que se pueda fusionar en mayor o menor medida con otros estilos o géneros.

La portada de un disco sigue siendo la primera impresión que el oyente potencial tiene del álbum. Por eso artistas y disqueras eligen el diseño con cuidado para que capte la atención del público ante una gran cantidad de opciones musicales disponibles. No siempre, pero sí muy a menudo, la portada también ayuda a distinguir el estilo musical, la temática o la personalidad artística a través de imágenes, colores y tipografías que crean una marca visual que la gente identifica fácilmente.

En el caso que nos ocupa, además del arte celta (entrelazados, trisqueles…) un recurso utilizado con cierta frecuencia es la imagen de monumentos megalíticos.

Dólmenes, menhires y cromlech han protagonizado las carátulas de multitud de discos de Música Celta, desde el último trabajo de Luar Na Lubre a la icónica Sinfonía Celta de Alan Stivell, pasando por una amplia variedad de recopilatorios. Pero… ¿Por qué se asocia la Música Celta a estas construcciones ancestrales?

El Megalitismo es la expresión cultural que marca el surgimiento de la primera arquitectura monumental a través del uso de grandes bloques de piedra con fines funerarios, rituales, de reunión o delimitadores del territorio. Su origen se sitúa en el contexto de las primeras sociedades agrarias de Europa durante el Neolítico y fueron construidos aproximadamente entre el 4.500 y el 2.500 antes de nuestra era, extendiéndose por gran parte del occidente europeo, incluyendo las islas británicas, Francia y la península ibérica.

Por su parte, los pueblos celtas surgen mucho después, durante la Edad del Hierro, aproximadamente alrededor del primer milenio antes de nuestra era. Los distintos pueblos celtas se toparon con estos monumentos que por entonces eran ya milenarios y, sabedores de que no eran caprichos de la naturaleza, sintieron gran fascinación y respeto por ellos atribuyéndoles propiedades mágicas o sagradas al creer que eran obra de deidades o antiguos gigantes. En ellas dejaron sus propias inscripciones y existe evidencia de que reutilizaron y adaptaron estas estructuras para sus propios fines. Por ejemplo, algunos dólmenes y menhires se incorporaron a sus rituales y prácticas religiosas paganas.

Y es que incluso con la cristianización que comenzaría a partir del siglo IV de nuestra era, montones de estos sitios fueron reconvertidos a la nueva fé. Al tratarse de espacios espirituales podrían seguir atrayendo a las personas que ya estaban acostumbradas a venerarlos.

Durante el Romanticismo en el siglo XIX, hubo un despertar del interés en las antiguas culturas europeas. Esto influyó fuertemente en la atracción por lo celta desde una visión exótica e idealizada, propia de aquel movimiento, más especulativa y fantasiosa que científica, pero muy atractiva como inspiración artística, literaria y de construcción identitaria. De esta manera, dólmenes y menhires se asociaron por sistema a los cultos de los druidas convirtiéndose en símbolos de un pasado distante y enigmático, iconos visuales y conceptuales de un celtismo que realmente no estaba en su verdadero origen pero tampoco le era del todo ajeno.

Y es que la transición hacia la edad de los metales no implicó un cambio brusco en las prácticas culturales. Las sociedades de la Edad de Hierro heredaron y adaptaron muchas tradiciones del Neolítico y la Edad del Bronce, entre ellas mantener determinados monumentos megalíticos como lugares de memoria y de culto.

Por otra parte, la atracción por las culturas autóctonas y las tradiciones populares durante el Romanticismo motivó el interés  en las lenguas de origen céltico supervivientes en la costa atlántica europea y la mitología céltica de estas regiones.

La música celta contemporánea comparte en sus melodías la emotividad y la profunda conexión con lo místico del Romanticismo. Ideales romancistas como el amor, la justicia, la libertad, la gloria, la eternidad, los orígenes o la identidad territorial también son habituales en sus letras. Instrumentos tradicionales como el arpa, la gaita, las flautas o el violín evocan también una sensación de antigüedad, autenticidad y contacto con las raíces; postulados de la estética romanticista.

Del mismo modo, la iconografía de la Música Celta que utiliza monumentos megalíticos busca crear una atmósfera visual que complementa el sonido de la música. Imágenes que evocan un sentido de tiempo y espacio enriquecedor de la experiencia auditiva para crear una fuerte conexión entre lo visual y lo musical desde esa misma idea romántica y una efectiva conexión emocional.

Las portadas y contraportadas de los discos con entrelazados de arte celta y elementos megalíticos actúan así como una introducción visual a todos estos conceptos simbólicos ayudando a contextualizar la música antes de escucharla, algo que resultaba muy útil décadas atrás, cuando se compraban los vinilos y CDs en las tiendas de discos y por catálogo, sobre todo si el artista o banda no eran muy conocidos. En la actualidad sigue manteniendo su significación si bien no es un recurso tan utilizado.

El año que viene volveremos al Semando Fest; eso sí, como público. 

Portugês

Mirandés

La cançon «Angueira» recolhida na aldé de l mesmo nome, situada ne l cunceilho de Bumioso, Trás-los-Montes, Pertual, ye ua anterpretaçon de Guieldu dun tema que fala de la Raia Carboeira i que lhiga la cançon a la música de l suloucidente asturiano. Esto nun ye ua mera casualidade. La region staba poboada na Antiguidade puls Zoelas, pobo astur de las Astúrias Cismontana, que tenien muitas semelhanças culturales culs astures strasmuntanos, cumo ls Pésicos que poboában l Oucidente de las Astúrias. Essas lhigaçones perdurórun ne l tiempo, quier na Eidade Média, quier an tiempos mais recentes: Angueira fizo parte de l domínio de l mosteiro lheonés de Santa Marie de Moreirola (Çamora) i ua bariante de la lhéngua asturo-lheonesa, de l sou dialeto oucidental, la lhéngua mirandesa, ye falada inda hoije na lhocalidade, sendo oufecial an Pertual zde 1999. La gaita i ls eilemientos célticos nun son alhenos a la sue tradiçon.

Asturianu

La canción «Angueira» recoyida na aldea del mesmo nome, nel conceyu Bumioso, Trelosmontes, Portugal, ye una reinterpretación de Guieldu d’un canciu que fala de la Raya Carboneira y que enllazanos cola música del Suroccidente d’Asturies. Esta conexón nun ye casualidá. La rexón taba poblada n’Antigüedá polos Zoelas, pueblu ástur de l’Asturies Cismontana , con muncho a ver colos ástures tresmontanos como los Pésicos. Eses lligazones permanecieren nel tiempu na Edá Media hasta tiempos recientes: Angueira fixo parte del dominiu monásticu del monasteriu llionés de Santa María de Moreruela (Zamora) y una variante de la llingua asturllionesa, el mirandés, aínda ye falada güei, siendo oficial dende 1999. La gaita y los elementos celtes nun son ayenos a la so tradición.

Castellano

La canción «Angueira», recogida en la aldea y freguesia del mismo nombre, situada en el concejo de Vimioso, Trás-os-Montes, Portugal, es una interpretación de Guieldu de un tema que habla de  la Raya Carbonera y que liga la canción con  la música del Occidente de Asturias. Esto no es simple casualidad. La región estuvo poblada por los Zoelas, una tribu ástur de la Astúrias Cismontana, que tenía muchas semejanzas culturales con los asturies trasmontanos como la tribu de los Pésicos, que poblaban el occidente asturiano. Estas ligaciones perdurarán a lo largo del tiempo, en la Edad Media, y en tiempos más recientes: Angueira fue parte del dominio del monasterio leonés de Santa Maria de Moreirola (Zamora) e una variante da lengua asturo-leonesa (de sus dialectos occidentales), la lengua mirandesa, es todavía hablada en la localidad, siendo oficial desde 1999. La gaita y los elementos celtas no son ajenos a la tradición.

Textos: @FronteirasPT

En la arqueología experimental, que es la disciplina que trata de descubrir la utilidad y el modo de elaboración de los objetos arqueológicos, suele darse una premisa: «ante los mismos problemas, idénticas soluciones». Y es que, aunque hayamos avanzado tecnológicamente y acumulado grandes conocimientos, el modo de pensar del Homo Sapiens actual no difiere tanto desde los tiempos de Altamira y Tito Bustillo. Si diferentes culturas pueden llegar a las mismas conclusiones ante idénticos retos, es fácil comprender que muy pocos hábitos u objetos contemporáneos puedan considerarse exclusivos de un único lugar.  Diferentes pueblos coetáneos suelen llegar a soluciones similares aunque no mantengan contacto entre sí.

La realidad, teniendo lo anterior presente, es que los orígenes del bodhrán son comunes a otros instrumentos musicales similares, incluso de nuestra tierra, Asturias.

El bodhrán irlandés actual es un tambor afinable de bastidor circular que se toca generalmente sentado, en posición vertical, apoyado sobre una rodilla y golpeado con una baqueta.

Aunque desde una perspectiva romántica hay quien quiere ver en él una evocación de los guerreros celtas chocando los pomos de sus espadas en los escudos o el retumbar de los tambores que llamaban a la batalla, el origen más probable es bastante menos épico.

Todo apunta a tiempos más recientes y a un apero agrícola que en algunas zonas rurales del suroeste de Irlanda se aprovechaba para acompañar los cantos y bailes a modo de improvisado pandero. Y es que los utensilios y objetos cotidianos empleados ocasionalmente para producir sonidos musicales, como el tableteo de las cucharas o el restregar de una llave en la payel.la (sartén) fue algo común en las sociedades rurales y empobrecidas de muchos lugares de Europa.

Hablamos en este caso de un apero de labranza para aventar el grano y separar la paja, que en lugar de una malla metálica propia de un tamiz, llevaba una piel fina sin perforaciones. En Irlanda lo llamaban “dildurn” y en Asturies “ceazu” o “bañu”.

En las fotos anteriores vemos varios ceazos conservados en el Muséu del Pueblu d’Asturies y una foto familiar en una aldea asturiana en la que una mujer anciana lo lleva en la mano. 

En algunas poblaciones de Irlanda existía la tradición entre su juventud de recorrer los caminos disfrazados tocando estos rudimentarios instrumentos en compañía de flautas artesanales. Ocurría, por ejemplo, en las fiestas de Brídeóg en honor a Santa Brígida y en el día de San Sebastián. Las fotos más antiguas conocidas de estas actividades son las del folclorista Kevin Danaher tomadas en el año 1946, que reproducimos a continuación:

Podemos observar que para entonces el apero propio de las labores del campo ya se había reconvertido en un instrumento musical, despojado de su finalidad originaria, cosa que demuestra, por ejemplo, la inclusión de sonajas y de la cruceta de sujeción.

De su uso musical también queda evidencia en los diccionarios antiguos de inglés-irlandés (como el de Dineen de principios del siglo XX)  que ya define “bodhrán” como tambor.

Pero lejos de lo que parece, no podemos considerar el bodhrán un elemento históricamente habitual en la música tradicional irlandesa.

Con sonajas y tocado con la mano aparece en algunas grabaciones sonoras de los años 20 pero su popularidad llegaría realmente mucho más tarde, en los años 60 (del siglo XX), de la mano del músico y compositor Seán Ó Riada ya en plena ola comercial de la música folk.

Rescatado por Seán y difundido por The Chieftains pasó de Irlanda a Escocia, luego a Bretaña con la banda de Alan Stivell y desde el Finistère francés a Galicia con Milladoiro y gracias a ellos se dio a conocer en Asturias. Grupos asturianos de folk celta como Beleño, Llan de Cubel, Felpeyu o Corquiéu, influenciados por el interceltismo musical de los 80s y 90s, incluyeron el bodhrán en su música, no sin críticas del sector más purista de la música tradicional asturiana.

Pero lo cierto es que el ceazu se empleó como sustituto del pandero en la música asturiana, y además en concejos como Al.ler, L.lena, Tinéu o Grau los etnógrafos musicales documentaron hace ya muchas décadas su empleo musical con una baqueta de unos 25 cm provista de dos puntas para golpear la membrana con ambos extremos, exactamente lo que se hace con el bodhrán.

Así que este instrumento tan común en la Música Celta, visto desde esa perspectiva, puede considerarse no tan ajeno a la música popular asturiana

El pasado 10 de julio de 2023 cumplimos en Guieldu uno de nuestros sueños: tocar en el Festival Internacional do Mundo Celta de Ortigueira y lo hicimos como finalistas del concurso “Runas” que organiza el festival.

El concurso “Runas” tiene como objetivo fomentar la promoción de nuevos valores de la Música Celta dentro de uno de los festivales intercélticos más importantes del mundo. Los 3 finalistas fuimos seleccionados por un sistema mixto con el voto de 4 componentes del jurado y un voto popular. Alienda, Muro Kvartet y Guieldu fuimos las bandas elegidas.

Tocar sobre el gran escenario Estrella Galicia en la alameda de Ortigueira fue un sueño que nos costó asimilar. Durante muchos años, algunos desde que éramos niños, hemos formado parte del público fiel de este importantísimo festival que reúne a los artistas más destacados de la corriente Celta a nivel mundial. En el mismo escenario en el que tocamos vimos a lo largo de los últimos años a bandas y artistas tan icónicos como Moving Hearts, Gwendal, The Chieftains, Usher’s Island, Sharon Shannon, Boys of the Lough, Liam O’Flynn, Eileen Ivers, Luar na Lubre o The Dubliners. Subir al palco del Festival de Ortigueira y mostrar nuestra música a un mar de gente saltando, gritando y aplaudiendo fue increíble. Una gran oportunidad para demostrar que Guieldu está realmente a la altura de los grandes escenarios.

El domingo 2 de julio de 2023 participamos en el programa “Axuntábense” de la Televisión del Principado de Asturias (TPA), que presenta Anabel Santiago y Pau Santirso.

Nuestros compañeros Jorge Álvarez y Héctor Aneiros respondieron algunas preguntas sobre Guieldu e interpretamos en el plató Perdayuri, el tema principal de nuestro segundo single en plataformas digitales.

Podéis ver el programa completo en la sección a la carta de la TPA aquí: